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Antonio Manuel Lima Dias (Campina Grande, Paraíba, 1944 - Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 2018)
Originário de Campina Grande, Antonio Dias começa a sua carreira após mudar-se para o Rio de Janeiro em 1958. Na capital do estado, estuda com Antonio Goeldi no Atelier Livre de Gravura da Escola Nacional de Belas Artes. Na mesma época, sua trajetória cruza com as dos artistas do Grupo Frente, que influenciam sua obra. Em 1965 participa de duas exposições emblemáticas, a Opinião 65 e a 4ª Bienal de Paris. Após sua participação na exposição francesa, recebe uma bolsa de estudos do governo francês e passa a residir na Europa pelos anos subsequentes, primeiro em Paris e depois em Milão. Em 1967, participa da exposição Science Fiction, na Kunsthalle Bern, curada por Harald Szeemann. Dias reside em Nova Iorque em 1972 após receber apoio da Fundação Guggenheim. Cinco anos mais tarde, em 1977, viaja ao Nepal e pesquisa técnicas tradicionais de produção de papel. Na década de 1980, participa da 39ª Bienal de Veneza e da 16ª Bienal de São Paulo e na década seguinte tem estadias prolongadas na Europa em razão do seu professorado na Academia de Belas Artes de Salzburgo, na Academia Estatal de Belas Artes de Karlsruhe e nos Ateliers Arnhem, nos Países Baixos. Em 2010 retorna ao Rio de Janeiro dedicando-se especialmente à pintura. Suas obras fazem parte de diversas coleções ao redor do mundo, como, Museu de Arte Moderna de São Paulo, Daros Latinamerica Collection, Zurique, Museum of Modern Art, Nova Iorque, Museum Ludwig, Colônia, entre outros, e continuam a ser revisitadas no contexto nacional e global.
Os trabalhos de Antonio Dias apresentam-se não somente como um conjunto de obras, mas, dão-se a ver também, como processo. No período inicial de sua carreira na, década de 1960, sua estética foi influenciada pela Pop Art e Neofigurativismo brasileiros, realizando obras críticas a ditadura militar brasileira. Ao morar na Europa, entre 1967 e 1970, torna-se consciente das dinâmicas da arte, do problema da transculturação — termo cunhado por Luiz Camnitzer — e ao conceito de espaço da contemporaneidade, termo desenvolvido por José Rezende e Ronaldo Brito. Essa consciência o propulsiona a um período de reflexão do qual a obra Anywhere is my Land (1968) e a série The Illustrations of Art (1971-1975) são frutos. Na primeira, o próprio título opera na tautologia e implica um paradoxo entre nacionalismo e internacionalismo. A partir de 1970, influenciado por Joseph Kosuth, seus trabalhos passam a inscrever-se no conceitualismo e constituem a passagem ao pós-vanguardismo em sua obra. As proposições de Dias exigem, como sugeriu Paulo Sergio Duarte, “um olho no que está exposto e outro no problema formulado”. Seu trabalho também questiona a satisfação dos sentidos e recebe o objeto artístico inacabado enquanto obra final. Após morar no Nepal, Dias incorpora as técnicas nepalesas de celulose artesanal à sua obra e, com isso, cria um corpo de trabalhos com pigmentos e texturas especiais como a série Trama (1977) e as obras Niranjanirakhar (1977) e Chapati for seven days (1977). Sua prática estende-se sobre diversos meios e formatos, mesclando características conceituais às tendências minimalistas e, paralelamente, une reflexão e crítica através do medium, trabalhando a dicotomia arte/sociedade.
EN
Originally from Campina Grande, Antonio Dias began his career after moving to Rio de Janeiro in 1958. In the capital, he studied with Antonio Goeldi at the Free Engraving Studio of the National School of Fine Arts. At around the same time, he crossed paths with artists from the Grupo Frente, who also influenced his work. In 1965, he took part in two major exhibitions, Opinião 65 and the 4th Paris Biennale. Following his participation in the French exhibition, he received a grant from the French government and lived in Europe during the subsequent years, first in Paris and later in Milan. In 1967, he took part in the Science Fiction exhibition at the Kunsthalle Bern, curated by Harald Szeemann. Dias moved to New York in 1972 after receiving support from the Guggenheim Foundation. Five years later in 1977, he traveled to Nepal to research traditional papermaking techniques. In the 1980s, he participated in the 39th Venice Biennale and the 16th São Paulo Biennale. During the following decade, he spent extended periods of time in Europe teaching at the Salzburg Academy of Fine Arts, the Karlsruhe State Academy of Fine Arts, and the Arnhem Ateliers in the Netherlands. In 2010, he returned to Rio de Janeiro, dedicating himself primarily to painting. His works are part of several collections worldwide, including the Museum of Modern Art in São Paulo, the Daros Latinamerica Collection in Zurich, the Museum of Modern Art in New York, and the Museum Ludwig in Cologne, among others. They continue to be revisited both nationally and globally.
Antonio Dias' works are not only a collection of pieces, but a manifestation of his process. During the early phase of his career in the 1960s, his aesthetic was influenced by Brazilian Pop Art and Neo-Figurativism, producing works that criticized Brazil’s military dictatorship. While living in Europe between 1967 and 1970, he became aware of the dynamics of art; the problem of transculturation, a term coined by Luiz Camnitzer; and of the space of contemporaneity, — a concept developed by José Rezende and Ronaldo Brito. His newfound awareness triggered a period of reflection, which resulted in works like Anywhere is my Land (1968) and the series The Illustrations of Art (1971-1975). In the former work, the title itself plays with the idea of tautology and implies a paradox between nationalism and internationalism. From 1970 onward, influenced by Joseph Kosuth, his works became part of conceptualism and marked the transition to post-avant-gardism in his art. Dias' compositions demand, as Paulo Sergio Duarte suggested, “one eye on what is exposed and the other on the problem formulated.” His work also challenges the notion of sensory satisfaction and embraces the unfinished artistic object as a final artwork. After living in Nepal, Dias incorporated Nepalese handmade cellulose techniques into his Œuvre, creating a body of work with unique pigments and textures, such as the Trama series (1977), the pieces from Niranjanirakhar (1977), and Chapati for Seven Days (1977). His practice extends across various media and formats, blending conceptual characteristics with minimalist tendencies, thus combining reflection and criticism across his various mediums and challenging the dichotomy between art and society.